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Hoy en Más Que Cine, te invitamos a revisar la vida de uno de los grandes directores del séptimo arte. Vértigo (1958), Psicosis (1960) y Los Pájaros (1963) son sólo algunos de los más de 60 filmes que dirigió el maestro Alfred Hitchcock, quien es considerado por lejos como el rey del suspenso, pese a que nunca recibió un premio Óscar por su gran carrera. Sin más preámbulos, te dejamos esta imperdible biografía de quien hasta hoy nadie ha podido igualar.

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Génesis es un documental que cuenta, a través de un africano (Sotigui Kouyaté), cómo se gestó la vida, de qué forma el planeta fue poblado y cómo surge la naturaleza desde las cenizas. Así, este relato, entretenido y audaz, se desmarca completamente de los clásicos documentales que podemos ver a través de Discovery Channel o National Geographic.

Todo comienza cuando el fuego, la tierra, el agua y el aire toman contacto para gestar la naturaleza. De ellos emergen los primeros seres vivos, desde las moléculas y las células hasta llegar a lo que hoy entendemos como nuestro mundo.

Dirigido por Claude Nuridsany y Marie Perennou, este documental otorga una interesante mirada a nuestros orígenes, más allá del ser humano. Desde el brote de las primeras cenizas hasta el surgimiento mismo de la vida. Es una invitación no sólo a conocer, sino que también a comprender y, por sobre todo, a respetar lo que hoy nos rodea.

Génesis demuestra en cada segundo la dedicación y delicadeza de sus creadores, quienes no supieron de límites al momento de escoger parajes maravillosos que logran olvidar durante 80 minutos la civilización, transportándonos a la naturaleza misma y haciéndonos creer que hemos retrocedido en el tiempo.

Grabado en Islandia, Islas Galápagos y Madagascar, entre otros lugares, el documental pretende confrontarnos con nuestros orígenes, pero más allá de ello también intenta que comprendamos que no estamos solos, que aquello que hoy descuidamos, ayer significó el inicio del mundo que conocemos.

Génesis es, sobre todo, un aporte inmensurable a nuestra concepción sobre el inicio de la vida como nunca antes había sido contada, logrando con gran calidad configurar cómo se inició lo que hoy conocemos como nuestro planeta.

Primavera, Verano, Otoño, Invierno y otra vez Primavera es la historia de un monje y su discípulo, quienes viven aislados de toda civilización para conseguir la paz interior, pero que no estarán ajenos a los cambios de la vida, que en la película se sitúan bajo las estaciones del año.

Así, el maestro (Oh Young-Soon) estará atento a los pasos que dará el joven aprendiz (Ki Duk-Kim) a lo largo de su existencia. Éste, pese a estar rodeado de montañas, agua y mucha  vegetación, vivirá los procesos de la vida de forma tan intensa como si estuviera en cualquier otro lugar.

Pero la calma se romperá cuando llega una mujer al monasterio. Ella se quedará allí para sanar su alma, pero sin premeditarlo el discípulo se enamorará e iniciarán una relación. Una vez que ella es curada, el joven la seguirá abandonando a su maestro y dejando atrás la vida del monasterio.

Años después, en pleno otoño, el joven monje regresará a su lugar de infancia para arrancar de la policía tras cometer un grave delito. Su maestro lo acogerá, pero a su vez lo obligará a realizar tareas para aliviar su paz interior.

La película, dirigida en Corea del Sur en 2003, es un interesante repaso por la vida del hombre, quien nace, crece, se desarrolla, muere y vuelve a nacer. Una historia cíclica que invita a reflexionar sobre la manera en que llevamos nuestra existencia y, si de alguna forma, somos capaces de arrastrar nuestra propia piedra para lograr el aprendizaje.

De pocos diálogos, pausada y con muchas lecciones para la vida, el filme no sería lo mismo sin el sonido ambiente que ayuda a armonizar esta historia. El ritmo más bien lento es otro de los factores trascendentales para invadirnos de una cultura tan ajena a nosotros y que requiere de mucha paz.

Ganadora de 11 premios internacionales, Primavera, Verano, Otoño, Invierno y otra vez Primavera fue dirigida, escrita y protagonizada por Ki Duk-Kim, quien, sin duda, logra impregnarnos de este maravilloso mundo que trae consigo todos los colores, situaciones y momentos que la vida nos ofrece.

- “Quizás podamos ayudarnos mutuamente a no odiar” -

Hombre Muerto Caminando (Pena de Muerte), protagonizada por Sean Penn y Susan Sarandon, es una película que invita al espectador a debatir un tema tan delicado como lo es la pena de muerte. Con una mirada completa y sin victimizar al delincuente, el filme revisa en dos horas todas las aristas y posiciones frente a un castigo tan debatido.

Sean Penn interpreta a Matthew Poncelet, un convicto que está a sólo una semana de ser ejecutado a travéz de la inyección letal tras asesinar a una pareja y violar a la mujer, crimen que realizó junto con otro reo, pero que en su caso lo castigaron con cadena perpetua.

Por su parte, Susan Sarandon es la Hermana Helen Prejean quien tendrá la difícil misión de abogar por Poncelet para cambiar su pena o en su defecto ser su guía espiritual hasta el momento en que deberá enfrentar la muerte. Ella hará un recorrido por el crimen, por los padres de las víctimas, la familia del asesino, la sociedad en sí y los ejecutores de la pena capital.

Un escenario completo para un tema complejo, donde el odio irracionaliza el actuar del hombre pero a su vez se convierte en una suerte de justificación para enfrentar el dolor por la pérdida de un ser querido en manos de criminales.

La película, cuyo título original es Dead Man Walking, fue denominada así ya que es la brutal frase que uno de los policías encargados de la ejecución pronuncia en el momento que el sentenciado camina en dirección a su muerte.

Dirigida en 1994 por Tim Robbins, el filme está basado en el libro de la verdadera Hermana Prejean, quien en 1982 se convirtió en la consejera espiritual de Patrick Sonnier, criminal en el cual se sustenta el personaje de Sean Penn.

- “Cada persona vale más que su peor acto” -

Gritos y Susurros, estrenada en 1972 y dirigida por el gran Ingmar Bergman, es una magistral obra de arte que nos lleva a reflexionar sobre la fe, la muerte y la comunicación entre los más cercanos. La historia se centra en tres hermanas: Agnes (Harriet Andersson), María (Liv Ullmann), Karin (Ingrid Thulin); y Anna (Kari Sylwan), su empleada.

Agnes, a punto de morir, es la excusa para reunir a estas mujeres entorno al sufrimiento y a la desazón frente al fin de la vida. Así, las cuatro vivirán hasta que Agnes muera en la mansión de sus padres, una casa enorme que sólo contribuye a acentuar aún más la soledad y la frialdad del lugar.

Anna, quien perdió a su hija años atrás, es el personaje encargado de entregar amor y devoción en un lugar donde estas palabras son cosa del pasado. Agnes, bajo su dolor, es quien más recoge el cariño, la entrega y la protección de su criada.

Las tres hermanas, pese a tener un pasado en común son distintas de principio a fin: María es superficial y egoísta; Karin fría y calculadora; y Agnes es una mujer llena de fe y amor para dar a quien lo desee.

Ingmar Bergman nos presenta en esta película la realidad social, donde las características más típicas se encuentran caracterizadas en los cuatro personajes. Y para enfatizarlo aún más, los somete a la presión de la muerte, situación que facilita la carga emocional.

El rojo, predominante en la escena, en los fundidos e incluso en algunos vestuarios ayuda a exacerbar la inquietud del lugar, lo apremiante de la situación, que sirve de paso para contar el pasado de estas mujeres principalmente de pena y dolor.

Pero este inquietante escenario da paso a una respuesta que llena de esperanza a quienes se sumergen en esta historia, donde finalmente lo malo se borra, tras descubrir que el paso por la vida trae momentos alegres que refuerzan aquel “estado de plenitud” que recuerda Agnes en su diario.

Gritos y Susurros, centrada en pocos personajes, es un repaso al alma, a los sentimientos más profundos y a la inquietante realidad como sólo Bergman logra representar.

Sin necesidad de expresar los hechos con palabras, esta película sencillamente encanta. Le Ballon Rouge, dirigido por Albert Lamorisse en 1956, maneja una fotografía espléndida y un tratamiento del color acorde con la trama resaltando sobre todo al personaje más importante: El Globo Rojo.

El filme, como tema central, se focaliza en la vida, pero especialmente de aquella en que la inocencia de la niñez y la creencia en lo imposible son su principal característica. Pascal Lamorisse, hijo del director, interpreta a un niño de siete años, quien criará, enseñará y defenderá a su amigo el globo.

La película, filmada poco después de la Segunda Guerra Mundial, también es un canto a la libertad y a la esperanza, realzando que independiente de los problemas en los que podamos estar sometidos, si hacemos las cosas bien y con amor, siempre al final habrá una vida a todo color.

Sin duda, la música es el complemento ideal para acompañar el recorrido de esta aventura que, con melodiosos acordes, se convierte en parte importante de una historia silenciosa, pero con gran contenido.

Albert Lamorisse, director también de Viaje en Globo y de Crin Blanca, obtuvo por la película cuatro reconocimientos en los festivales más importantes, entre ellos, un Óscar por Mejor Guión Original en 1957 y una Palma de Oro por mejor cortometraje.

Pese a que el filme fue escrito hace 53 años, su argumento sigue vivo, convirtiéndose en una temática atemporal. Sin duda, El Globo Rojo es de aquellas películas imperdibles que no basta sólo con verla, sino también vivirla con el corazón.

Y como esta película es un imperdible para cualquier amante del séptimo arte, en Más Que Cine te dejamos el enlace para que puedas disfrutar de uno de los filmes franceses más bonitos de la historia. Haz click aquí.

Delicatessen es una palabra que utilizamos para mencionar los manjares de la comida y es precisamente la primera de una lista inmensa de ironías y de un juego entrelazado con humor negro que utiliza esta historia sin cesar.

La película, dirigida en 1991 por los franceses Jean Pierre Jeunet y Marc Caro, comienza cuando Luison (Dominique Pinon), un payaso de circo retirado, llega a una comunidad que en su primer piso alberga una carnicería. Allí se convierte en el nuevo inquilino a cambio de reparar los desperfectos del lugar.

Sin embargo, su patrón, el carnicero (Jean-Claude Dreyfus), tiene para él un destino muy diferente al que este hombre de zapatos gigantes espera. La hambruna ha convertido a los vecinos en devoradores de carne humana, por lo que ven en Luison un delicioso platillo.

Pero su personalidad y extravagante frescura inundará a más de alguno que intentará protegerlo de esta descarnada selva, pero ¿será más fuerte el instinto que el amor y la amistad?

La película maneja perfectamente la ironía de un tema sombrío entremezclado de un humor muy especial, encarnado principalmente por los vecinos. Así, podemos encontrar a una mujer que busca por todos los medios suicidarse, episodios que terminan siendo cómicos en vez de trágico, mientras que el resto de la comunidad lucha por sobrevivir a como dé lugar.

La fotografía y la utilización del color opaco en tonos marrones indican desde el principio el ambiente que allí se vive, donde nadie puede cerrar los ojos tranquilamente por el temor de convertirse en el alimento de todos.

La música y los sonidos son, sin duda alguna, los protagonistas del filme, los encargados de ambientar y situar la ironía en primer plano. Así, con sonidos de serruchos, camas y cuanto haya para complementar la atmósfera se convierten en elementos imprescindibles dentro de la película.

La historia, que parece alejarse de la realidad, es finalmente nuestro reflejo, el de una comunidad altamente egoísta que en vez de ofrecer la otra mejilla, empuña su arma para derribar a quien se le cruce.

Delicatessen es una crítica abierta a la sociedad que de forma descarnada arremete contra los valores con el sólo propósito de subsistir, dejando atrás el respeto por las personas. En este sentido, la película, en una nube de humor negro y con mucho talento, nos zamarrea para que, de una vez, comprendamos que la individualidad no nos conduce a nada bueno.