Más Que Cine

Ahora que “The Other Guys”, cinta de humor y acción está rompiéndola en taquilla y críticas en Norteamérica, démosle una mirada seria (o dos, o mil si se quiere)  a una joyita del cine en el género policial, injustamente subvalorada entre las cintas de los 70’, “El Padrino”, “Taxi Driver”, “La Guerra de las Galaxias”, “Tarde de Perros”, “Rocky”  y “Apocalipsis Now” quitándole la importancia que se merece.

William Friedkin, director gringo que hace rato perdió el toque (“Jade”, o “La Cacería” son dos soberanos bodrios), tiene, sin embargo dos de sus trabajos entre lo más exquisito que el Séptimo Arte ha hecho: el clásico del horror “El Exorcista”, y el título que nos compete, “Contacto en Francia” (1971).

La historia de los detectives Jimmy “Popeye” Doyle (un soberbio Gene Hackmann ya casi casi calvo por entonces), y Buddy Russo (Roy Schneider, el mismo de “Tiburón”) tras la pista de un cargamento de heroína pura que ciertos franceses quieren mover entre Marsella y New York, se convierte en 100% tensión desde el inicio.

Popeye y Russo buscan drogos en los bares valiéndose de todo, incluso disfrazándose de Santa Clós. Es ahí  donde dan con el dato de unos traficantes fganceses. A partir de esto hay tres cosas que hacen de “Contacto en Francia” una cinta inolvidable… las persecuciones (memorables las del metro aéreo v/s el automóvil en la calle, Popeye y Charnier jugando con las puertas del metro, y el excelente final), la búsqueda de pistas (el parcito gasta calcetines y zapatos corriendo por todos lados y pasan horas escuchando micrófonos ocultos para ver si algo más se encuentra), y las duras y poco ortodoxas maneras de los detectives.

Y no me digan que suena a repetido, porque en 1971 aún no aparecía Harry el Sucio, ni John Maclane, ni “El Vengador Tóxico” ni “24” ni “The Shield”, y menos las correrías de un Matt Damon bien peinado y con cara de asustado en la saga de Yéison Brrrrn, que tiene bastantes similitudes con el estilo de esta historia.

Si uno quiere tener una idea de la vida en la ciudad a principios de los 70’, “Contacto en Francia” no defraudará. Los letreros, los clubes nocturnos y la moda está muy bien representada, y la partitura inmortal de Don Ellis va de la mano con la excelente edición de esta ganadora de cinco Premios Oscar, incluyendo Película, Director, Actor (para Hackmann), Edición y Guión.

Como dato anecdótico, se puede mencionar que el director quería para el papel del “contacto” Alan Charnier a Fernando Rabal, a quién vio en “Bella de Día” de Buñuel. Sus encargados se equivocaron y llevaron a USA a Fernando Rey, y aunque le pidió disculpas y lo mandó de vuelta a España, terminó contratándolo, ya que Rabal ni siquiera hablaba inglés. Rey se convierte, de esta manera, en una elegantísima contraparte para un rudo y “americano” Hackman, sin que casi nadie note que el más tranquilo es el malo, y el más neurótico es el policía.

Policías, ladrones, droga y balazos hay en muchas películas. Historias potentes y bien filmadas, hay en muy pocas. “Contacto en Francia” es una de ellas.

Ficha Técnica

• Director: William Friedkin
• Año: 1971
• Guión: Ernest Tydman, basado en la novela de Robin Moore
• Música: Don Ellis
• Reparto: Gene Hackman (Jimmy “Popeye” Doyle”), Fernando Rey (Alan Charnier), Roy Scheider (Buddy Russo)

The Road es una muestra clara de todo lo que se puede hacer con un buen guión. La película, dirigida por John Hillcoat, cuenta la historia de un padre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) que intentan sobrevivir en un mundo post-apocalíptico.

El tópico de la cinta es la pérdida de la humanidad, personas convertidas en bestias alimentándose de carne humana y manteniéndolas encerradas como ganado en los sótanos, donde más que ser comidos por estos caníbales, el mayor temor es convertirse en uno de ellos.

Sin grandes efectos especiales ni muchos actores, ya que no son necesarios, el drama está sostenido en el apremio de un padre gravemente enfermo que intenta proteger a su hijo, cuyo corazón es demasiado bondadoso para los tiempos que corren.

La madre (Charlize Theron) perdió las ganas de vivir tiempo atrás, yéndose a caminar hasta perderse en la fría noche de invierno. “Llévalo a la costa”, fueron sus últimas palabras y desde entonces emprendieron una larga y arriesgada caminata: la falta de comida, el constante peligro y el sentimiento de inseguridad amargan aún más sus ya miserables vidas.

La fuerza de la película radica en su carga emocional, aquella fuerza sobrehumana donde pese a todos los acontecimientos, los protagonistas no pierden las ganas de vivir ni aquella llama en su interior.

Esta tarde falleció el legendario cantante argentino Sandro. El Gitano, quien no pudo recuperarse de los transplantes de corazón y pulmones, se hizo mundialmente conocido por su gran música, pero también por las más de 15 películas que protagonizó y que fueron todo un éxito entre sus seguidoras.

Entre sus films destacan Quiero Llenarme de Ti (1969), Gitano (1970), Operación Rosa Rosa (1974) y su última película Eden Miseria filmada en 1988. Las aventuras de Sandro en el cine, si bien no eran merecedoras de ningún Óscar, resaltaron la labor actoral del cantante trasandino.

A raíz de su fallecimiento, es casi seguro que se reabrirá el interés por volver a ver sus películas, por lo que te pasamos el dato de que algunas de ellas las puedes encontrar en Bazuca, si es que no las dan por televisión en estos días. De todas formas, te invitamos a que visites el blog “Películas de Sandro“.

Las películas, de género romántico y por supuesto musical, llenaron las salas de cine sobre todo en Argentina. “Las nenas”, como son conocidas sus seguidoras, acompañaron hasta el último minuto al cantante. Sus funerales se realizarán en el salón de Pasos Perdidos del Congreso argentino.

Te dejamos a continuación el trailer de El Deseo de Vivir, filmada en 1973.

Muchos años ha pasado desde 1999 cuando se estrenó una película que pasó casi inadvertida en nuestra cartelera. Yo la encontré unos meses después en una estantería de los casi extintos video club en un formato hoy ya obsoleto: el VHS.

Así comienza mi acercamiento con la que sería mi película favorita por muchos años, me refiero a The Boondock Saints (El Quinto Infierno como se conoció en nuestro país) dirigida por Troy Duffy con Sean Patrick  Flanery (Connor), Norman Reedus (Murphy), Billy Connolly (il Duce) y Willem Dafoe (Paul Smecker).

Dos hermanos irlandeses fervientemente católicos, tras matar a un par de mafiosos por defender a su amigo dueño de un bar, son exonerados por considerarlo defensa propia. Esa misma noche tienen una visión: acabar con los criminales. Bajo la frase “si es malo hay que matarlo2, creyentes fehacientes de que las leyes dejan impunes a los peores asesinos y mafiosos, optan por limpiar la sociedad con sus propias manos.

Los mafiosos, por su parte, no les hace mucha gracia perder a sus miembros y logran sacar de la cárcel al más peligroso asesino “il duce” quien resulta ser el padre de estos hermanos. Al fin reunidos los tres ejecutan al jefe de la mafia en la propia corte delante de las cámaras con ayuda de la policía.

La película está llena de acción y momentos de comedia, notable es la actuación Dafoe representando a un policía gay que es capaz de recrear escenas sólo con su imaginación.

Eso es lo que su director promete traernos de regreso en la secuela “The Boondock Saint 2: All Day Saint” los hermanos viven en un tranquilo  valle de Irlanda lejos del bullicio de las grandes ciudades, pero la calma llegará a su fin tras la muerte de un sacerdote por unas oscuras fuerzas del bajo mundo de Boston.

Los hermanos Macmanus regresarán a su violenta y sangrienta cruzada para traer nuevamente la justicia y que los malos sufran las consecuencias.

Duffy traerá de regreso a todo el reparto original para esta segunda parte altamente esperada,  con algunas modificaciones en la narrativa como  su propio director hace  mención, pero advirtiendo que los fans de la primera parte no se desilusionarán.

Muy recomendada para todos aquellos que les guste la acción policial, personajes entrañables y balas cruzando la pantalla desde todas direcciones.

“Diario de una ninfómana”, de 2008, es la adaptación cinematográfica de la novela que lleva su mismo nombre, creada por la escritora y sexóloga Valérie Tasso. Cuenta la historia de Val (Belén Fabra), una atractiva e intelectual mujer francesa de 28 años, con un acomodado pasar y una estrecha relación con su abuela.

La historia se desenvuelve en el entorno en el que Val ha decidido estar: Barcelona. Esta sensual mujer desde los 15 años ha desarrollado un particular estilo de vida, centrado particularmente en el sexo, pero aún no conoce el amor. Este campo para ella sigue siendo un terreno improvisado a pesar de su vasta experiencia con los hombres.

Su liberal vida se ve puesta en jaque al momento que conoce a su primer amor, un hombre por el cual el fuerte sentimiento le impide recaer en sus antiguos hábitos. Este aspecto de su vida en un principio se convierte en un sueño, pero con el pasar del tiempo será su mayor calvario.

La historia nos muestra los problemas de una mujer en una relación basada en celos y desconfianza, por lo cual ella comprende que no puede escapar a su real naturaleza, llegando en su afán por la vida lujuriosa a ejercer la prostitución por el sólo placer.

Las experiencias de Val a lo largo del drama no han sido buenas. Se convence a sí misma de que el sexo es como una droga para ella y hace de la promiscuidad su estilo de vida.

Esta hermosa película española del director Christian Molina y guión de Cuca Canals, nos emocionará y hará que nos replanteemos quiénes somos en realidad y qué es lo que esperamos de la vida, llegando a la conclusión de que no hay otra forma de vivir que simplemente vivir.

Una vorágine de emociones con un excelente guión, reparto y musicalización que nos transportan directamente al sentir de la protagonista y nos convierte en cómplices de su dolor y erotismo.

Dirigida por Gary David Goldberg, Se Busca Pareja fue estrenada en 2005 bajo las actuaciones de Diane Lane (Una Tormenta Perfecta), John Cusack (El Niño de Marte), Elizabeth Perkins (My Sister’s Keeper) y el maestro Christopher Plummer (La Novicia Rebelde). Esta película es una entretenida comedia romántica que, con un humor especial, intentará dar atisbos de dónde y cómo buscar una relación pasados los cuarenta años y luego de una separación.

Sarah Nolan (Lane) tras su divorcio no ha sabido reiniciar su vida amorosa, situación que preocupa a su padre y sus hermanos, quienes intentarán de todas las formas conseguirle un novio. Carol (Perkins), su hermana mayor, en una medida desesperada agrega a Sarah a una página de internet para conseguir citas a ciega. Es allí donde comenzará a conocer a hombres muy especiales, derivando de ello un sinnúmero de situaciones chistosas hasta que por fin encuentra a Jake (Cusack), quien pese a ser un poco torpe es al parecer la mejor opción.

Se Busca Pareja es una entretenida comedia, especial para una tarde de domingo, cargada de humor, un buen guión y grandes actuaciones, donde tanto los personajes principales como secundarios demuestran su magistralidad en el género de la comedia.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días, dirigida en 2007 por el rumano Cristian Mungiu, es la cruda historia de dos amigas que se ven enfrentadas a la determinación de una de ellas por abortar. Otilia (Anamaria Marinca) una chica universitaria es amiga y compañera de cuarto de Gabriela (Laura Vasiliu), quien está embarazada y ha decidido interrumpirlo.

Otilia recorre Bucarest bajo un ambiente oprimido durante el último periodo del comunismo en Rumania. Así, con miedo, deambulará por la ciudad con un solo propósito en su mente: ayudar a su amiga Gabita.

Para ello, consiguen contactar a Bebe (Vlad Ivanov), el encargado de realizar el aborto en un país donde éste no está regularizado. Tras algunos conflictos con él, finalmente llevará a cabo su misión, pero desconociendo complemente cuál será el desenlace de Gabita y el hijo que está esperando.

La película centra principalmente la tensión sobre Otilia, quien es la encargada de llevar al espectador la historia desde un recorrido realista por la ciudad y distintos personajes que le van dando forma a un relato crudo y descarnado.

Sin rodeos, con lenguaje directo, tomas específicas, movimientos de cámara que siguen a la protagonista y también escenas de larga duración sirven para ambientar aún más la tensión que se vive, dando una sensación de realidad abrumadora que sitúa al espectador en el centro mismo del suspenso.

La ausencia de música dentro de la película ayuda aún más a esta sensación de realismo, donde los sonidos en vivo son los grandes constructores de un ambiente abrazado por el miedo y la desazón.

Además, los tonos oscuros y la simpleza de los distintos escenarios ayudan también a resaltar el drama que se vive, quedando claro que Cristian Mungiu no dejó nada al azar para lograr comunicar la incertidumbre que acecha en cada momento.

4 Meses, 3 Semanas y 2 Días es una película descarnada que habla tanto del aborto como de la amistad y el secreto, un secreto silencioso, que de seguro estará presente bulliciosamente en la cabeza y el alma de las protagonistas, o al menos así lo deja ver Mungiu cuando por unos segundos Otilia rompe el eje y dirige su atención a la cámara con una mirada  sencillamente desoladora.

Ganadora de la Palma de Oro, de un Goya y nominada a un Golden Globe por mejor película extranjera, esta historia es un recorrido necesario por los principios, el amor y también por la libertad de escoger nuestro destino bajo la conciencia de que siempre habrán consecuencias.